cine digital
en you tube está esto sobre el cine digital está en 2 partes
cine y 0/1
Blog de estudiantes ECCC UCR 2008de cuando apareció el cine digital
La siguiente es el resumen de una nota cuando empezó a utilizarse el uso de ordenadores más frecuentemente en el cine, cerca de 1995 cuando ésta nota se publicó.
Nos encontramos por consiguiente en la era de la tecnología digital, lo que va a suponer un cambio de mentalización en cuanto a la forma de trabajar, menor jerarquización en las labores profesionales y unas posibilidades impresionantes de nuevas creaciones en todos los ámbitos. Surgen nuevos conceptos, se adoptan nuevas terminologías sustentadas en la tecnología más reciente: cine digital, cine dinámico, cine interactivo, cine electrónico, cine infográfico, cine a la carta, cine virtual.
El uso de la tecnología digital se está aplicando al cine profusamente en películas no sólo consideradas como de entretenimiento, sino en films como los de Kieslowski y su famosa trilogía “Tres colores: Azul, Blanco, Rojo”; así como el almacenamiento de películas en soportes o memorias. Estamos evolucionando en relación con la elaboración de bases de datos cinematográficas: de contenidos eminentemente textuales y soportes convencionales estamos desembocando en la comercialización de bases de datos multimedia, con audio y video digital integrados.
Además de la reciente proliferación, en relación con la información cinematográfica, de bancos de imágenes fijas, animadas y de video conviene destacar las enormes posibilidades de transmisión y recepción de información cinematográfica que proporcionan las autopistas de la información: cine con posibilidad de ser transmitido y recibido a través de las redes de comunicación, en virtud de la velocidad de transmisión en banda ancha que posibilita
Documentación cinematográfica.
El documento cinematográfico, como documento científico que es, participa de las mismas notas de información y de fuente informativa y se integra en el proceso informativo-documental: emisor (documentalista cinematográfico), canal o medio de transmisión (soporte cinematográfico), mensaje (documento cinematográfico), receptor o usuario del mensaje (del documento cinematográfico).
Todo depositario de documentos cinematográficos se convierte en documentalista cinematográfico cuando analiza aquéllos e informa (documenta) acerca de su contenido al usuario o investigador.
sobre lo que vemos en el cine y de donde viene
La cámara de cine
Las cámaras encuadran la realidad en un marco. Es lo que se llama formato de cuadro o ratio que hace referencia a la relación entre el ancho y el alto de la ventanilla. El formato más frecuente es el 1,33:1; que quiere decir que una determinada película tiene una relación de 1,33 de ancho por 1 de alto (en televisión el equivalente se denomina 4:3. lo que impide el ajuste perfecto de los largometrajes rodados con otros ratio a la hora de su pase televisivo).
El diseño de la cámara y del proyector son casi idénticos, aunque obviamente inversos; hasta el punto de que los primeros aparatos cinematográficos diseñados por los Hermanos Lumiérè servían indistintamente para captar las imágenes y posteriormente proyectarlas. Las cámaras de cine se clasifican según el tamaño (anchura) de la película; los más comunes son el Súper 8, el
Vídeo
El elemento esencial de la grabación en vídeo es la señal eléctrica cuya formación, tratamiento y transformación son la base de la imagen electrónica. En la cámara de vídeo el objetivo enfoca la escena sobre la zona sensible del sensor de imagen. La cantidad de luz que llega es crítica y debe ser regulada, lo que se realiza por medio de un iris que controla la exposición. En algunos casos podemos ajustar la velocidad de obturación con un obturador electrónico. Antiguamente la luz incidía sobre unos tubos de imagen que han sido sustituidos por sensores en estado sólido los MOS ( Metal Oxide Semiconductor) y los CCD (Charge Coupled Device) siendo este último el más utilizado. Consta de minúsculas células fotosensibles alineadas vertical y horizontalmente constituyentes del elemento de imagen o pixel. Un generador de sincronismos controla la exploración y la lectura de la imagen que se forma en la superficie del CCD. Ante él se sitúa un filtro de rayos infrarrojos que podría afectar a su sensibilidad e impiden que se registren imágenes que no serían aceptadas como luz por el ojo humano.
Un prisma dicroico separa la imagen en tres colores primarios; rojo ( R ) verde (G) y azul (B) generando la señal RGB que, aplicada por tres líneas de transmisión a los tubos de imagen de un monitor, nos conformarían una imagen en color. La ganancia de este separador de color está controlada por un dispositivo que realiza el equilibrio de blanco que evita los virajes de color. En la cámara llevaremos una serie de filtros que se interpondrán entre la óptica y el sensor para determinar la temperatura color con la que rodamos y una vez seleccionada, para luz día o luz artificial procederemos a ajustar el equilibrio de blanco. La señal de blanco y negro se denomina luminancia (Y) y se formula Y = 0’30 R + 0’59 G + 0’11B.
La relación de aspecto del CCD es de 4:3, superficie conformada a modo de mosaico de pixel situados en la intersección de una retícula de líneas horizontales y verticales. Estos son explorados en líneas paralelas sucesivas. Son analizadas de izquierda a derecha y de arriba abajo primero las líneas impares y luego las pares formando cada una un campo que es explorado en 1/50 de segundo (50 Hz).La exploración completa se obtiene por el entrelazado de ambos campos formando un cuadro en 1/25 de segundo (25 Hz). Es decir 25 imágenes por segundo, lo que permite tener sensación de movimiento.
Efectos especiales digitales
Las imágenes generadas por ordenador permiten crear seres y objetos tridimensionales sólo limitados por la imaginación. Más tarde, se explora con un escáner y se le otorga tridimensionalidad con una estructura de mallas que cumple la función de esqueleto digital. La tercera fase consiste en establecer los movimientos, fotograma a fotograma, con la paleta gráfica, añadiéndole en el caso de los humanos los huesos, los músculos y la piel, con el objetivo confesado de proporcionar sensación verosímil de movimiento. Justamente, en este último punto residen las diferencias y los logros de cada película.
Cada nuevo efecto que vemos en una película suele condicionar la creación de un nuevo software en busca de mejorar el anterior y siempre delimitado a un objetivo muy concreto tales como el movimiento de los brazos, el color de la piel, la textura de la ropa, entre otros.
A finales de los años 80 surgió una técnica que revolucionó los efectos digitales y llamó por primera vez la atención sobre el potencial de las nuevas tecnologías aplicadas al cine: el morfing o efecto consistente en posibilitar la metamorfosis de un elemento corpóreo a otro en continuidad espacio-temporal. Para recrear el movimiento y el dinamismo en los seres humanos virtuales se procede primeramente a capturar imágenes del movimiento en actores reales. Para ello se rueda con varias cámaras de alta velocidad, por ejemplo a 60 fotogramas por segundo, a una persona, a la que se le han pegado Led Tracking Markers (señales reflectantes) en puntos escogidos del cuerpo. El sujeto realiza las acciones convenidas y la lectura que cada cámara hace de las señales reflectantes se transfiere a un ordenador donde, ralentizada o alterada, se transforma en una estructura de varillas que sirve de base al esqueleto desde el que se crea el personaje.
Cine digital y electronic cinema (E-Cinema)
Apenas se han producido media docena de innovaciones tecnológicas revolucionarias en los sistemas de rodaje en los más de cien años de historia del cine: la mutación de la velocidad de la cámara de 16 o 18 imágenes por segundo del mudo a los 24 que obligó la llegada del sonido a finales de los años veinte; la generalización del sonido en los años treinta; el asentamiento del color en los años cincuenta y sesenta, los sistemas panorámicos en las mismas décadas y poco más.
Sin embargo, la convergencia digital ha ido afianzándose en las dos últimas décadas y el poder de las técnicas digitales se ha permeabilizado en todo el sistema de producción cinematográfico desde el rodaje hasta la postproducción. No es exagerado decir que cuando el proceso termine, la tecnología y la industria del cine tendrán muy poco que ver con la que conocieron nuestros padres. Ciertos sectores auguran que su acelerada progresión y gran potencial provocarán la desaparición del modelo de celuloide fotoquímico en beneficio de la grabación y reproducción digital.
Aunque los actores de la industria del e-cinema se muestran poco dispuestos a conformarse con menos definición que el estándar de Televisión de Alta Definición (HDTV), superior a las 1080 líneas, la experiencia nos ha indicado películas con únicamente 1024 líneas no han sufrido ninguna merma de calidad significativa. La pretensión de la industria es alcanzar un mínimo de 2K (2,000 líneas) de resolución, muy aproximada a la calidad fotográfica. En el e-cinema, a diferencia de
Desde otra perspectiva, el rodaje en los distintos sistemas de DV es cada vez más común entre los cineastas, tanto los que cuentan con presupuestos bajos, como para hacer documentales, largometrajes de autor y películas de la gran industria de Hollywood.
Sin embargo la grabación en Vídeo Digital (DV) no es un requisito indispensable para el e-cinema, la película convencional de
El método más ubícuo para entregar las películas a los cines son las plataformas de satélites. Los archivos de las películas de cine pueden ser descargados de noche y almacenados. La programación alternativa como deportes o conciertos pueden ser emitidos en directo. En un futuro inmediato, sin embargo, se pretende que las películas sean entregadas en DVD-R.
sobre el cine anterior a nuestros días IV parte
Una consecuencia de lo anterior es que el cine se hizo más liviano, perdiendo profundidad temática. Esto se debía a que el mayor público consumidor de cine eran los adolescentes, y por ende, las películas comerciales tendieron a volverse más banales con el paso del tiempo.
A medida que las películas de Hollywood se hacían cada vez más gigantes en forma, y más escasas de contenido, el cine de otras regiones fue reaccionando a su vez. Así, se profundizó la grieta entre el llamado cine comercial y el cine arte. Esto se debió a dos razones:
*El cine comercial se hizo cada vez más caro de producir, y por ende, menos productoras podían incursionar en él; aunque esta tendencia se revirtió en parte con el auge de la computación
*Realizar películas con contenido artístico se transformó para los círculos culturales europeos, latinoamericanos o asiáticos en una especie de estandarte cultural, para oponerse a la cultura de los Estados Unidos.
Para cierto sector de la crítica, el cine ingresó hacia la década de 1980 en el Postmodernismo, de ahí que se hablara del agotamiento de las vanguardias, de la imposición de la simultaneidad por sobre la de continuidad, del reciclaje de viejos materiales, etc; contribuyendo a esta impresión el fenómeno del blockbuster, así se considera que la experiencia de ver un filme a finales del siglo XX y comienzos del XXI, es radicalmente diferente a la de las generaciones anteriores.
La generalización de las tecnologías relacionadas con el ordenador cambió al cine para siempre. Los antiguos efectos especiales a base de maquetas y sobreimpresiones pasaron a ser desarrollados mediante computadoras, luego se pudo realizar el primer largometraje íntegramente realizado por computadora y sucedió un paso muy simbólico que fue cuando Estudios Disney después del fracaso de sus últimos filmes en animación cerraron esta división y se concentraron en el mercado de la animación por computadora.
Internet supuso también un desafío mayúsculo para los grandes estudios, debido a que el brutal crecimiento de la capacidad de almacenaje en discos duros y portátiles llevó a que por primera vez se pudiera reproducir de manera virtualmente ilimitada una película íntegra, sin pérdida significativa de calidad. El siguiente paso vino con el surgimiento de las redes P2P (”peer to peer”), que permiten intercambiar información de todo tipo sin un servidor central, y que muchos usuarios empezaron a emplear para descargar películas gratuitamente desde la red, compartiéndolas entre ellos.
Todo lo anterior abrió un intenso debate, que aún no termina, en torno al problema de la propiedad intelectual en Internet. Los grandes estudios se quejan de las pérdidas que este intercambio origina, y los usuarios por su parte contraatacan esgrimiendo el principio de democracia en la red. Esta democratización, por su parte, ha llevado a que muchos realizadores independientes hayan optado por el cine digital, grabando sus películas y editándolas por ordenador, para luego colgarlas en sitios de intercambio de información, como por ejemplo YouTube. También se ha simplificado el proceso de convocatoria a festivales de cine, con lo cual el cine independiente, realizado al margen de los grandes estudios, se ha visto fuertemente potenciado. Todo lo anterior ha llevado a una fuerte democratización del cine. Todas estas tendencias son incipientes, y aún es demasiado pronto para determinar cómo será el nuevo mercado del cine que emergerá en un futuro cercano.
También Internet ha servido para la difusión del cine clásico. Una colección de películas de dominio público se encuentran en el Internet Archive, una completa base de datos para la preservación de la historia de Internet. Prelinger Archives contenía, en 2005, 1.969 películas, todas ellas de libre uso, ya sea personal o comercial.
sobre el cine anterior a nuestros días III parte
La siguiente gran barrera era incorporar sonido a las películas. En 1927, los estudios Warner BROS apostaron por integrar un nuevo sistema de sonido cuyo resultado fue la primera película sonora de la historia (El cantante de jazz), por lo cual ante el éxito que tuvo todos los grandes estudios montaron sus propias películas sonoras, y el cine mudo pasó a la historia.
El primer cine era documental, pero como género vino a nacer en 1922, con el filme Nanuk el esquimal. El cine histórico y bíblico caminarían de la mano en la búsqueda de la espectacularidad. En la década de 1930 surgen también el cine de gángsters y el cine negro estrechamente emparentados; su éxito se explica por la dosis de crítica social que dichos filmes envolvían, sobre la situación posterior a
Para entonces el cine fantástico y de ciencia ficción había también experimentado su propio desarrollo, paralelo a un elemento que le era indispensable: el desarrollo de los efectos especiales. En la década de 1930 se puso de moda el cine de terror, con clásicos como Drácula o Frankenstein. Con éstos y otros filmes, los Estudios Universal crearon la imagen moderna de los clásicos monstruos de la literatura de terror. La llegada del sonido permitió también el desarrollo de la comedia musical, género en donde primaba el peso de los números musicales y canciones por sobre la historia, y que fue el vehículo de lucimiento para diversos bailarines.
Un género típicamente norteamericano que se desarrolló en aquellos años, fue el Western muy exitoso en Estados Unidos, por construir una mitología fílmica de carácter nacionalista. Su importancia tuvieron también los filmes de aventuras y de capa y espada. Muy exitoso en ese tiempo fue el cine de piratas.
En cuanto a la comedia, su edad de oro comenzó con los Keystone Cops que inventaron el concepto de gag, pero el primer gran personaje cómico fue el vagabundo sin nombre que Charles Chaplin interpretara en numerosos cortos, y más tarde en largometrajes. Por último se debe mencionar que con los largometrajes Blancanieves y los siete enanitos y Fantasía, Walt Disney impulsó definitivamente la industria del cine de animación, aunque la primera película del género es El Apóstol (1917), producida en Argentina por Quirino Cristiani.
Se desarrolló todo un mecanismo de producción industrial de películas donde a la película principal se sumaba una de menor costo, y producción barata y apresurada, que por su condición de relleno, pasó a ser llamada serie B. Posteriormente la serie B evolucionaría hasta ser un género independiente. Fuera de Estados Unidos, florecieron varias cinematografías nacionales. Las más pujantes quizás correspondieran a los regímenes totalitarios, quienes comprendieron el enorme poder propagandístico que había en el cine.
La relación entre los judíos y la creación de cine durante
Hollywood respondió reforzando los aspectos en los cuales la televisión no podía competir: la espectacularidad. siendo el género épico el experimentó un nuevo auge y levó la batuta de esta respuesta beneficiándose de avances técnicos como la pantalla panorámica, gracias a innovaciones como el cinerama o el cinemascope.
En este tiempo apareció también el cine a color. Aunque existía un procedimiento llamado Autochrome en general el cine siguió siendo en blanco y negro, pero la aparición del Technicolor estandarizó el cine en torno al color, y ya el blanco y negro quedó relegado a aquellas películas que lo utilizaran debido a su bajísimo presupuesto, o por razones exclusivamente artísticas.
Mientras Hollywood luchaba por superar la crisis, en el resto del mundo se imponían nuevas ideas impregnados del espíritu de las vanguardias artísticas de la primera mitad del XX, en Europa comenzó la experimentación formal, que llevó a la creación de nuevas formas. Así aparecen el Neorrealismo que nació en Italia como reacción al cine fascista y buscaba la máxima naturalidad, con actores no profesionales, iluminación natural, etcétera, y era en escencia un cine de fuerte crítica social. Esta tendencia hacia un cine más realista y menos espectacular fue recogida en otros lugares de Europa mientras coexistía con el cine comercial. Fuera de Europa también hubo otras manifestaciones que se hicieron comerciales, como por ejemplo el cine de artes marciales procedente de Hong Kong trabajando artesanalmente y no pudiendo competir con la alta calidad técnica de Hollywood, por lo que llegaron a redefinir el cine de serie B.
La renovación del cine en Estados Unidos se da por la formación de una serie de nuevos cineastas, que redefinieron la noción de cine hollywoodense en la cual todos tenían en común el privilegiar una mirada personal o autoral de sus películas, por sobre el cine comercial.
sobre el cine anterior a nuestros días II parte
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Primeros pasos del cinematógrafo
La idea de capturar el movimiento por medios mecánicos es muy antigua ya que existieron antecedentes en la caja oscura, o el taumatropo. La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del XIX. Thomas Alva Edison estuvo muy cerca de inventar el cine, al crear el kinetoscopio. Inspirándose en éste, Antoine Lumière creó el cinematógrafo. La primera presentación fue en el ya mencionado 28 de diciembre de 1895, y consistió en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerda para la anécdota aquella en la que un tren parecía abalanzarse sobre los espectadores, ante lo cual éstos reaccionaron con un instintivo pavor.
Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero cuando George Méliès usó sus habilidades y conocimientos de magia, y los aplicó bajo la forma de efectos especiales, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía. De esta manera, en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator. Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos. También en la época se produjeron los primeros juicios en torno a los derechos de autor de las adaptaciones de novelas y obras teatrales al cine, lo que llevaría con el tiempo a la creación de las franquicias cinematográficas basadas en personajes o sagas.
En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador por ser un país de inmigrantes y el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento para ellos.
Basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Alva Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto no sólo llegó a juicio, de Edison contra los llamados productores independientes, sino que se libró incluso a tiro limpio. Como consecuencia, los productores independientes emigraron de la costa este hacia el oeste, recientemente pacificado. En un pequeño poblado llamado Hollywood, encontraron condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, multitud de paisajes que pudieran servir como locaciones, y la cercanía con la frontera de México, en caso de que debieran escapar de la justicia.
La mayor parte de los estudios fundados en aquella temprana época eran controlados por judíos y miraban al cinematógrafo más como un negocio que como un arte. Estos estudios buscaron controlar íntegramente la producción fílmica. Así, no sólo financiaban las películas, sino que controlaban a los medios de distribución, a través de cadenas de salas destinadas a exhibir nada más que sus propias películas. También contrataron a directores y actores como si fueran meros empleados a sueldo, bajo contratos leoninos; fue incluso común la práctica de prestarse directores y actores entre sí, en un pasando y pasando, sin que ni unos ni otros tuvieran nada que decir al respecto, amarrados como estaban por sus contratos. Se habla así, de la producción hollywoodense entre las décadas de 1910 y 1950, como de cine de productor.
El cine mudo europeo
Mientras tanto, el cine seguía otros caminos en Europa. Allí, el sentido del negocio se basó en el monopolio del celuloide. Surgieron grandes empresas cinematográficas que dominaron el mercado mundial hasta
Aún así, tras la guerra, se crearon obras maestras que iban a crear escuela. El movimiento más importante en estos años fue el Expresionismo, cuya estética extraña y alienada respondía a los miedos de
La creación del lenguaje cinematográfico
Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran simples telones pintados, y se utilizaba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy parecen básicas, pero que en esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de los filmes históricos rodados en Italia en la década de los años diez.
Dos cineastas fueron claves en este proceso. En Estados Unidos, David W. Griffith, con El nacimiento de una nación e Intolerancia, cambió el cine para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. En
sobre el cine anterior a nuestros días I parte
28 de diciembre de 1895, hace 113 años comenzó la historia de una de las actuales industrias más grandes e importantes del mundo, en París se presenta a público por primera vez la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, sucesión de imágenes obtenida por los hermanos Lumière
Años más tarde esto significará miles de milones de dólares, miles de horas de trabajo, miles de personas trabajando en esta industria que ha sido catalogada como el sétimo arte y que tiene millones de personas disfrutando, comprando o simplemente viviéndolo prácticamente en toda región del planeta donde haya un ser viviente.
ese 28 de diciembre nadie crería que lo que los hermanos Lumière hicieron se convertiría en tan buen negocio hasta ellos mismos fueron reservados en cuanto a las posibilidades que este nuevo aparato de pasar fotografías a velocidad para simular movimiento podía ofrecer al mundo.
la aventura comenzó y nos llevó hasta nuestros días; de un invento llegaron una gran cantidad de mejoras sobre las que voy a hablar más adelante; sin embargo así empieza esta historia, la del cine, en Francia en 1895…
El reto
El problema no es ahora volver real la ficción que creó nuestra cabeza, el problema está en incluir nuestra realidad en las re-creaciones que estamos haciendo, el reto es introducir nuestra realidad en los mundos que estamos creando, el reto es volver real lo que era ficción…